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ANNE AKIKO MEYERS

Carlos Mora V

La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor .Kurt D. Cobain

La realidad presente nos obliga a ubicarnos en ella y resaltar las figuras de la música que son relevantes en sus distintos instrumentos, así como a sus compositores, directores, sin necesidad de estarnos   remontándonos al pasado, específicamente al  Siglo XVII, XVIII, en donde sabemos se dieron un  gran número de músicos, compositores de primer nivel.

 Hoy contamos con la extraordinaria violinista americana Anne Akiko Mayers  nació en 1970 en San Diego, California y como lo indica worldlingo.com ,ella estudió con Shirley Helmick, y después se decidió estudiar con Alicia y Eleonore Schoenfeld en la  Escuela de Colburn de realizar artes en Los Ángeles, CA. Ella entonces procedió al estudio con José Gingold en la Universidad de Indiana y Dorothy Retrasa, Felix Galimir y Masao Kawasaki en Escuela de Juilliard en New York City. Su madre, Yakko Meyers, es artista  de Tokio, Japón y su padre, Richard Meyers, era antes el presidente de la universidad de Webster en St. Louis. Su hermana, Toni Meyers, es oftalmólogo con un subespecialidad  en glaucoma.

Comenzó sus estudios musicales a los cuatro años de edad y debutó como solista de violín a los siete. Ganó  muy precozmente el Primer premio y el Gran premio de la American String Teachers Competition y la Beca Epstein del Boys Clubs of America

Anne toca con el violín "ExNapoleón/Monitor" de Antonio Stradivarius que data de 1697, y que ha adquirido recientemente.

 Nos agrega la fuente de información citada, que ella registró su primer álbum en Londres en los estudios del camino de la abadía que ofrecían el peluquero y los Conciertos de Bruch con la orquesta real de Philharmonic en la edad de 18. Firmando una exclusiva Sello del rojo de RCA contraiga en 21 años de la edad, ella se encendió registrar una discografía comprensiva. En 23, le concedieron el prestigioso Pescador de Avery Carrera Grant, el único artista a ser el recipiente único de esta concesión anual. Hoy, ella se realiza alrededor del globo como un soloist y un recitalist ofrecidos con los nombres reconocidos en música clásica y se ha realizado para los dignatarios incluyendo el emperador y el Empress de Japón.

 Se sabe toca en los escenarios de todo el mundo junto a Zubin Mehta Semyon, Bychkov, Andrew Litton, Leonard Slatkin y otros directores que la acompañan con orquestas como la de parís, La Filarmónica de New York, La Filarmónica de Tokio, la de la radio de Suecia, La Royal Philarmonic, entre otras.

Nos agrega y  comenta.worldlingo.com, que  Meyers ha registrado y ha publicado una colección extensa de música que se puede encontrar en el Avie, Camerata, Hyperion, Naxos, Expedientes rojos del sello de RCA, Etiquetas y obras clásicas Japón de RPO de Warner. Su disco del principio, registrado en la edad de 18, incluyó Peluquero de Samuel "Concerto del violín" y Bruch máximo "Concerto del violín" con el marinero de Christopher y Orquesta real del concierto de Philharmonic. Los expedientes de RPO registraron las sonatas de Santo-Saëns y de Fauré. Su catálogo de RCA es comprensivo e incluye la fantasía escocesa de "Symphonie Espagnole" y de Bruch "de Lalo" con Jesús Lopez-Cobos y el Philharmonic real; los sonatas de Franck y de Strauss; el Felix Mendelssohn "Concerto en E de menor importancia" y una selección de otra trabaja con Andrew Litton y los Concertos de la orquesta de Philharmonia y del violín de Prokofiev con la sinfonía de radio de Francfort debajo Dmitri Kitajenko. Los álbumes de Sonata incluyen "Salut d' Amour" que ofrece muchos pedazos de la repetición con folksongs japoneses clásicos y un álbum que ofrece trabajos de Copland, de Ives, del pistón, y del panadero de David con el pianista André-Michel Schub

 Se nos indica además, que ella registró recientemente trabajos cerca Debussy, Messiaen, Enmarañamiento, Satoh y Takemitsu para la etiqueta de AVIE. Dos trabajos escritos expreso para Meyers incluyen un funcionamiento vivo del Concerto del violín de Somei Satoh con Tetsuji Honna y Orquesta metropolitana de la sinfonía de Tokio en la etiqueta y el 'Angelfire' de Camerata por el compositor que gana del Pulitzer-premio José Schwantner con Andrew Litton y Orquesta de la sinfonía de Dallas en Hyperion. ¡Naxos también lanzó un funcionamiento del trío del piano de Jennifer Higdon, ofreciendo a Meyers, vive del bravo! El festival y ella de la música del valle de Vail registraron el Concerto de Bruch vivo con el conjunto Kanawaza de la orquesta con el maestro Iwaki en las obras clásicas Japón de Warner. Ella registrará un álbum nuevo titulado, "espejo en espejo" este verano para el lanzamiento en 2009 en los expedientes de Koch con el pianista, Akira Eguchi.

Se ha presentado en numerosos programas de televisión, entre otros la transmisión de A&E Network del Festival Casals con la Sinfónica de Montreal y Krzysztof Penderecki, un programa de PBS con la Boston Pops Orchestra y John William, y sus actuaciones en "The Tonight Show" de Johnny Carson o la entrega de los premios Emma, que captaron la atención del público a nivel nacional.  También realizó una presentación con la Royal Concertgebouw Orchestra en Holanda, que fue vista por 10.000 personas y se transmitió en vivo a todo el mundo por Internet.  Esta presentación está disponible en el sitio. En Sydney apareció frente a 750.000 personas, Australia's Harbour, en la celebración del Bicentenario de Australia y ha actuado para dignatarios como el Emperador y la Emperatriz de Japón.  Meyers ha participado en numerosas campañas de publicidad como la de moda de Anne Klein "Women of Substance" (Mujeres de Fortuna) con fotos de Annie Leibovitz, que se publicó en revistas de todo el mundo.

CHERYL STUDER

Carlos Mora Vanegas

Pienso que una vida dedicada a la música es una vida bellamente empleada, y es a eso a lo que he dedicado la mía. Luciano Pavarotti:

 De nacionalidad norteamericana,  Cheryl Studer,  nació  el 24 de octubre de 1955 en Midland, Míchigan y como lo comenta Valerio Capella, es muy apreciada por el  timbre de su voz, ha sido escogida tres veces por Muti para producciones escalígeras: Vespri Sicialiani, Guillermo Tell  y Attila .

Su familia  era de músicos aficionados. De pequeña tocó en trío, ella con la viola, su hermana y su hermano el oboe y el clarinete.

 A los 12 años  empezó a tomar lecciones de canto. En 1976 dejó los Estados unidos para instalarse en la academia de música de Viena, donde obtuvo el premio del Instituto Schubert por su interpretación liederística. Tenía en el bolsillo el billete de vuelta a Estados unidos, pero no me fue difícil tirarlo a la papelera.

Comenta Valerio Cappelli al respecto, que Cheryl  confiesa que no le ha sido posible cantar en su país en estos años: Gané varios concursos, pero los teatros me ofrecían solos recitales, nunca una opera. Decían que era demasiado joven para la lírica. Tenía 23 años cuando mi profesor me aconsejó esperar otros siete para debutar en el Carnegie Hall. Pero ya estaba deseosa de cantar, y me marché a Europa

 Nos señala  Cappelli, , que Cheyl ha cantado con intenso lirismo y noble melancolía en Viena junto a Ruggero Raimondi y Marie McLaughlin de las Bodas de Fígaro definida como memorable por las críticas más autorizadas

 Por su parte  nos aporta Wikipedia, que es  de destacada actuación en la década 1985-1995, de inusual versatilidad en repertorio  italiano, francés y alemán sobresalió como soprano lírico-dramática.

Fue la soprano mas promocionada y grabada de ese período, con una vasta discografía, su registro de Salome y La mujer sin sombra de Richard Strauss son de referencia.

De joven estudió piano y viola. A los doce años, después de escuchar el álbum "La Callas à Paris", decidió que quería ser cantante de ópera y comenzó lecciones de canto en su ciudad natal. Estudió en el Conservatorio de Oberlin, cerca de Cleveland, Ohio. Al trasladarse su familia a Tennessee, siguió sus estudios en la Universidad de Tennessee en Knoxville.

Llamó la atención de Leonard Bernstein, quien le ofreció una beca durante tres veranos en el Centro de Música Berkshire en Tanglewood (1975 a 1977), donde estudió con Phyllis Curtin. Debutó en el Festival de Tanglewood en 1976 con la Pasión según san Mateo de Bach con la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Seiji Ozawa, quien la invitó a una serie de conciertos con la BSO en el Symphony Hall durante la temporada 1978-1979.

En el verano de 1979, marchó al Instituto Schubert en Baden bei Wien, Austria, donde siguió un curso para estudiantes extranjeros del arte del Lied alemán.

Entre sus maestros ese verano estuvieron Irmgard Seefried, Brigitte Fassbaender y Hans Hotter. El gran barítono convenció a Cheryl Studer para que permaneciera en Europa el resto del año y estudiase con él en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst en Viena.

Después de un año en Viena, y a petición de Hans Hotter, Cheryl Studer hizo una prueba para Wolfgang Sawallisch quien la contrató como miembro permanente de la Ópera Estatal de Baviera, donde estuvo durante dos temporadas consecutivas.

Al final de la temporada 1981-82, dejó Múnich y se unió al Teatro estatal de Darmstadt durante dos temporadas, antes de ir a Berlín para entrar a formar parte de la Deutsche Oper Berlin durante las temporadas 1984-85 y 1985-86.

Su primer gran papel fue Violetta en La Traviata como artista invitada del Teatro Estatal de Braunschweig en la primavera de 1983. Debutó en los Estados Unidos con el rol de Micaela (Carmen) en 1984 con la Ópera Lírica de Chicago y obtuvo renombre internacional con su interpretación de Elisabeth en Tannhäuser en el Festival de Bayreuth de 1985 con la dirección de Giuseppe Sinopoli al cual regresó en 1986-87-88 como Elsa de Lohengrin en la producción de Werner Herzog en 1989 y 1990. En 1998 cantó allí Senta de El holandés errante y en 2000 como Sieglinde de Die Walküre

Cantó en los principales teatros de ópera del mundo: Gran Teatre del Liceu, Barcelona (debut en 1986 como Freia, Das Rheingold), Ópera de París (debut ese mismo año como Pamina), Ópera de San Francisco (debut en 1986 como Eva), Royal Opera House, Covent Garden (debut en 1987 como Elisabeth), La Scala (debut operístico en 1987 como Donna Anna), Ópera Estatal de Viena (debut en 1989 como Chrysothemis). Ese mismo año cantó en el Festival de Salzburgo el mismo papel.

En el Metropolitan Opera debutó en 1988 como Micaela de Carmen, regresó en 1990 como Donna Anna para Don Giovanni con Thomas Hampson y Elettra de Idomeneo con Anthony Rolfe-Johnson. Además de La Traviata en 1991 regresó para sus últimas actuaciones como la Mariscala en El caballero de la rosa de Richard Strauss luego de nueve años en la temporada 2000.

Debido al esfuerzo requerido ante tantos compromisos y una versatilidad estilística de tal magnitud, su voz comenzó a dar signos de fatiga vocal temprana. Su carrera internacional entró en abrupta declinación a partir del año 2000 En 1999 la Ópera Estatal de Baviera rescindió su contrato para cantar Der Freischütz argumentando que su voz no era la que había sido y la soprano demandó a la casa de ópera

Entre 2001-2005 asumió el rol de Sieglinde en Tokio y Beijin, cantando también Arabella en Zurich.

 Nos agrega Cappelli, que es la verdadera gran sorpresa de la lírica en los últimos tiempos. En los últimos años practicamente retirada de la escena internacional, aparece en conciertos y clases magistrales esporádicamente. Se desempeñó como profesora en Würzburg donde ha debutado como directora de escena en una producción de Ariadne auf Naxos.

En definitiva como lo indica worldlingo.com, es una cantante con la flexibilidad inusual, Cheryl  Studer ha realizado más de ochenta papeles que se extendían del repertorio dramático a los papeles asociados más comúnmente a sopranos líricos y sopranos del coloratura. Debido a su capacidad de cantar mucho diversa clase de papeles, algunos críticos han comparado la voz de Studer a la de Lilli Lehmann La admiran más para sus interpretaciones de los trabajos de Richard Strauss y Richard Wagner.

FRANS BRÜGGEN

Carlos Mora V.

Después del silencio, lo que más se acerca a expresar lo inexpresable es la música.  Aldous

Escribe  sobre él, Nuria Fontova, que es un nombre ligado a la Orquesta del Siglo XVIII, formación que toca con instrumentos antiguos; y uno de los pocos capaces de captar la inspiración compositiva de Mozart.

 Brúggen, directos y flautista a la vez, es un auténtico virtuoso de la interpretación. Filólogo e investigador, no es un director clásico, su forma de coger la batuta, con un movimiento especial de sus dedos, es más propia de un flautista que no de un director. Todo en él nos lleva a la convicción de estar ante una suerte de instrumento especial, una orquesta- flauta  podríamos llamarla. En cada una de sus actuaciones la batuta se convierte en una varita mágica y la música  fluye ligera y acompasada, cual conejito blanco emergiendo de la chistera del mago.

Pero,  ¿Quién es Frans Brüggen? , sobre él Wikipedia nos señala: Se dice,  nació en Ámsterdam, estudió flauta de pico con Kees Otten en el Conservatorio de la Haya. A los 21 años fue nombrado profesor de flauta de pico en el mismo conservatorio, más tarde ocupa los cargos de profesor emérito de la universidad de Harvard y profesor regente de la universidad de Berkeley, estos; entre los múltiples cargos que le fueron otorgados a lo largo de su carrera.

Uno de los aportes más admirables de este holandés es su vastísima cantidad de grabaciones para flauta de pico y traverso barroco - que para 1970 ya eran varios cientos - además de esto. Frans Brüggen grabó junto con dos de sus más destacados alumnos Walter van Hauwe y Kees Boeke los 600 años de música barroca para flauta; tanto de pico como traverso barroco.

Una de sus más hondas pasiones fue invertir dinero en sus instrumentos originales, una de las copias más considerables es una flauta soprano de marfil de Richard Haka construida en 1685 con un grabado en todo el cuerpo de la flauta de una serpiente, o una no menos fatua; un flauta alto también de marfil de J.B Ganh aproximadamente de 1700 con un grabado de ídolo barroco - muy semejante a un dragón - que en la parte de la boquilla tiene tallado unos ojos de reptil. Aunque para Frans Brüggen su "stradivarius de las flautas" era una flauta tenor Stainsby de ébano con anillos de marfil.

Especialmente en la flauta de pico, Frans Brüggen tuvo una influencia casi tiránica para sus detractores y difícilmente menos que indispensable para sus seguidores. Lo cierto es que los conservatorios europeos con el tiempo adoptaron muchas ideas y preceptos tanto de él como de sus grandes colegas Anner Bilsma y Gustav Leonhardt entre otros. Para la flauta de pico este holandés, es un personaje que ya ha pasado a la historia, envuelto en el misticismo de su genialidad musical.

Frans Brüggen no solo le dio una reputación internacional a su instrumento; hizo posible que después dé él ejecutantes más especializados fueran edificando lo que ahora podemos contemplar en la flauta de pico.

Nos agrega  Wikipedia, que: Otro de los más fuertes aportes de Frans; fue su gran motivación para que los compositores escribieran música contemporánea para flauta de pico. Entre ellos; Luciano Berio, quien dijera muy acertadamente: "Frans Brüggen es un músico que no solo es un arqueólogo; es un gran artista" a él le escribió "Gesti" una de las piezas que Frans asegura puede considerarse parte de la Sequenzas de Berio ...lo que sucedió con Gesti es verdaderamente increíble, está hecha por 4 leyes: la primera consiste en los patrones por los cuales los hoyos de la flauta son tapados por los dedos, la segunda es la articulación, la tercera es la técnica respiratoria; y por último la implementación de la voz al tiempo de ejecución.

 Nos recuerda Wikipedia, que  Frans Brüggen dejó de tocar flauta de pico y traverso barroco definitivamente en diciembre de 1981; a los 47 años, justo en el clímax de su carrera. Es en ese año que funda su orquesta "La Orquesta del Siglo Dieciocho" de orden Mozarteana, con colegas tan famosos en sus instrumentos como la violinista Lucy Van Dael, Eric Hoepricht en el clarinete, Marteen van Der Valk en las percusiones; su intención desde entonces es darle vida a la tradición comprendida entre el clásico hasta la tradición romántica. Hay que destacar que todos sus integrantes tocan con instrumentos originales o copias fidedignas, ya que; Frans sigue siendo un fehaciente amante de los instrumentos originales.

Año tras año Frans renueva sus votos de no abordar más el repertorio de flauta de pico ni de traverso, y sigue de pie; encabezando su orquesta, que ya le ha dado varias vueltas al mundo. Con este grupo, ha grabado más de 100 discos para Phillips y muchos otros para otras firmas; especialmente es de remarcar que la inmensa mayoría de sus discos fueron grabados en vivo y son mucho más sencillas de adquirir.

 En definiva nos  indica . caela.espacioblog.com  que no cabe la menor duda que, Frans Brüggen fue uno de los grandes inspiradores para los flautidulcistas del mundo, por lo que hace unos pocos años fue invitado por la American Recorder Society a ir a Estados Unidos al ser elegido por votación como el Intérprete de Flauta Dulce del Milenio, pero el maestro... no acudió a la cita.

Nusrat Fateh Ali Khan

 Carlos Mora Vanegas

Pienso que una vida dedicada a la música es una vida bellamente empleada, y es a eso a lo que he dedicado la mía. Luciano Pavarotti

Este extraordinario músico Pakistaní, no puede ser ignorado por lo que representó su paso por esta tierra en sus interpretaciones y que sin duda alguna  ha sido el músico más popular del Asia del Sur.

 Se sabe, que, Nusrat Fateh Ali Khan nació  el día 13 de octubre de 1948 en Faisalabad Pakistán. Murió el 16 de agosto 1997 en Londres, Reino Unido.
Su primer concierto inglés fue en Birmingham en 1980, organizado por Agencias Orientales de Estrella, desde entonces él viajó al país casi todos los años. Su familia había sido Qawwali (Sufi, la música devota), cantantes desde hace seis siglos. Durante su vida él revitalizó el Qawwali, haciendo de él un medio de expresión artística por lo que fue internacionalmente aclamado.

Proviene de una familia del Punjab que se instaló en Pakistán en 1947, heredó su talento musical de su padre- intérprete de música clásica y de qawwali.

Su familia tiene una tradición intacta de Qawwali por más de 600 años. Ustad Fateh Ali Khan fue entrenado en música clásica y Qawwali como muchacho joven, por su padre, Maula Baksh Khan, y él pronto se distinguió como un musicologista, un vocalista e instrumentalista experto. Él aprendió tocar los instrumentos indios tradicionales por ejemplo sitara, sarod y vichitraveena, así como los instrumentos occidentales violín. Él también dominó millares de versos adentro Punjabi, Urdu, Árabe y Persa.

Como  señala Dimitri Ehrlich, además de sus maratónicas sesiones en vivo y de su música grabada, accedió incluso a dejar testimonio de su arte en dos películas: el tema que acompaña la escena de la crucifixión en la ultima tentación de cristo, de Martin Scorcese y también una aparición en Mientras estés conmigo. De Birmingham a Bombay, Tokio a Toronto sus conciertos y nuevas grabaciones fueron aguardadas con ansia. Sus actuaciones en festivales de música, para jefes de estado o en los recintos sagrados Sufíes en su amado Punjab él transportó a sus oyentes al reino de lo de sublime y al éxtasis. Cuando los críticos le acusaron de corromper el Qawwali tradicional él contestó: «la tradición no debe ser vista como una cosa muerta, es la responsabilidad de los músicos hacer la música para las personas de su tiempo». Los musulmanes del subcontinente, indios y sijs apreciaron su música. En un mundo donde las diferencias son explotadas cada vez mas para dividir a las personas, él utilizó su talento incomparable para unificar las audiencias. El poeta del siglo XIII Sufi y el músico Amir Khusrau dijeron que esa música fue el fuego que quema el corazón y el alma. En el siglo xx Usatd Nusrat Fateh Ali fue el portador de ese fuego.

lastfm.es nos agrega, que  durante su vida él revitalizó el Qawwali, haciendo de él un medio de expresión artística por lo que fue internacionalmente aclamado.

 Se sabe como nos lo indica  soitu.es , que el quawali es una música devocional sufí. Esto es, es una música de origen religioso originada hace unos 700 años en la zona indopakistaní, enraizada en tradiciones musicales de la zona y vinculada al sufismo, la rama mística del Islam. Hay diversas músicas sufíes en el orbe musulmán, como las magrebíes y egipcias, las turcas, vinculadas a los derviches (esos señores y damas de falta y sombrero cónico que giran y giran sin parar), y las pakistaníes, esto es, las que emplean el quawali. Esta música tiene una función precisa: facilitar el trance de sus ejecutores y oyentes, entrando en un estado en el que, según ellos, se logra algo así como la unión con la divinidad. Es una tradición muy arraigada en Pakistán, con muchísimos seguidores. En el documental Nusrat Fateh Ali Khan, Voice from Heaven (, se puede comprobar el impacto de la música de Nusrat Fateh Ali Khan en todo el mundo.

 Lo cierto, que de Birmingham a Bombay, Tokio a Toronto sus conciertos y nuevas grabaciones fueron aguardadas con ansia. Sus actuaciones en festivales de música, para jefes de estado o en los recintos sagrados Sufíes en su amado Punjab él transportó a sus oyentes al reino de lo de sublime y al éxtasis. Cuando los críticos le acusaron de corromper el Qawwali tradicional él contestó: «la tradición no debe ser vista como una cosa muerta, es la responsabilidad de los músicos hacer la música para las personas de su tiempo». Los musulmanes del subcontinente, indios y sijs apreciaron su música. En un mundo donde las diferencias son explotadas cada vez mas para dividir a las personas, él utilizó su talento incomparable para unificar las audiencias. El poeta del siglo XIII Sufi y el músico Amir Khusrau dijeron que esa música fue el fuego que quema el corazón y el alma. En el siglo xx Usatd Nusrat Fateh Ali fue el portador de ese fuego. Los que vieron y oyeron sus improvisaciones extáticas lo echarán mucho de menos. La suerte es que su voz angélica ha sido conservada en una gran colección de grabaciones

Se señala,   que de sus padres aprendió su religión, como vivir y seguir las normas islámicas: cuando era joven iba a la mezquita y leía el Corán, y aprendió todos los preceptos islámicos. De sus maestros logró una educación básica en ciencia matemáticas, geografía, inglés, urdu (lengua nacional de Pakistán) y todos los tremas comunes a cualquier escuela.  Y de los sufíes aprendió sobre el sufismo. Trato de aprender a integrar las enseñanzas de estas tres fuentes de los santos, de la escuela y de mis padres.

Comentaba Usatd Nusrat Fateh, que se convirtió al sufismo y empezó a cantar el qawwali tradicional, sintió paz en su corazón. Desde ese entonces, señaló que su vida había cambiado totalmente. Así pude controlar  todo lo que llega a mi mente y corazón.

Agrega en la entrevista con Dimitri Ehrlich, que cuando empezó a cantar naturalmente, tenía en su mente el deseo del éxito. Siempre pensaba que la gente le debía de escuchar, que el público lo debía de respetar como artista. A medida que pasaba el tiempo comenta se encontró en una situación en la que todo lo que deseaba era dar una lección, era dar más felicidad a la gente. Sea que esté dormido o despierto, o hablando o comiendo la música está siempre conmigo, en mi mente. Siempre estoy pensando en nuevas melodías, nuevos descubrimientos y nueva música.

sortmusic.com. nos agrega además el antecedente,  que cuando los críticos le acusaron de corromper el Qawwali tradicional él contestó: "la tradición no debe ser vista como una cosa muerta, es la responsabilidad de los músicos hacer la música para las personas de su tiempo". Los musulmanes del subcontinente, indios y sijs apreciaron su música. En un mundo donde las diferencias son explotadas cada vez mas para dividir a las personas, él utilizó su talento incomparable para unificar las audiencias. El poeta del siglo XIII Sufi y el músico Amir Khusrau dijeron que esa música fue el fuego que quema el corazón y el alma. En el siglo xx Usatd Nusrat Fateh Ali fue el portador de ese fuego. Los que vieron y oyeron sus improvisaciones extáticas lo echarán mucho de menos. La suerte es que su voz angélica ha sido conservada en una gran colección de grabaciones.

Ravi Shankar

Carlos Mora Vanegas

"Existir es un hecho, vivir es un arte."Ravi Shankar

Un extraordinario interprete de la música hindú, digno representa de ella y como lo indica Edgard Greenfield: "nadie mejor que Ravi Shankar ha conseguido unir a Oriente y Occidente", a través de la difusión del arte clásico hindú en el mundo y la fusión de estilos occidentales y orientales en un singular lenguaje musical.

  Se comenta, que Shankar hace énfasis  en la respiración como el vínculo entre el cuerpo y la mente y, por tanto, como una herramienta para relajar la mente, haciendo hincapié tanto en la meditación y el servicio a los demás. Según él, la ciencia y la espiritualidad están relacionadas y consecuentes. Indica   que la alegría sólo está disponible en el momento presente, su visión es crear un mundo libre de estrés y violencia, y que sus programas ofrecen herramientas prácticas para ayudar a lograr esto. En su opinión, "la verdad es esférica y no lineal; por tanto tiene que estar en contradicción

 ¿Quién es  Ravi Shankar?, Tal como nos recuerda Wikipedia, es un músico indio conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Se le conoce con el título honorífico de Pandit Ravi Shankar.

Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar Gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto fue hecho por su asociación con The Beatles así como por su carisma personal. Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.

Se nos recuerda,  que su casa ancestral es hoy en día Kalia Upozila en el Distrito Narail, Jessore, Bangladesh. El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un bailarín famoso hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pávlova en la Unión Soviética. Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción

Wikipedia nos agrega además  sobre, que se le dio el nombre de Ravi por nacer un domingo (Ravi, un nombre común que significa Sol) y Shankar por Adi Shankara (santo hindú del Siglo VIII), el cual nació el mismo día. De acuerdo con sus biografías, a la edad de cuatro años podía recitar el Bhagavad Gita^[] y recibió un bachillerato en ciencias de la Universidad Bangalore a la edad de 17 años.

Anteriormente un estudiante de Maharishi Mahesh Yogi, Shankar se unió a Maharishi luego de su graduación, siendo invitado por Maharishi para hablar sobre Ciencias Védicas, organizar conferencias sobre Veda y la ciencia, y ayudar a capacitar a expertos védicos en la casa de beneficencia de Maharishi.

Shankar dice que el ritmo de sus ejercicios de respiración (pranayama)  (sudarśana-kriya) vino a él en 1982 "como un poema, una inspiración", después de un período de diez días de silencio en las orillas del Río Bhadra en Shimoga, Karnataka, India, y agregó: "Lo aprendí y comencé a enseñarlo." Shankar dice que cada emoción tiene un ritmo que corresponde en la respiración y que su regulación podría ayudar a aliviar el sufrimiento personal. Se nos comenta además. Que  a los nueve años Ravi se trasladó de la India a parís con su madre, sus tres hermanos y un pequeño grupo de músicos y bailarines, formando la compañía Uday Shankar. Nos  aporta Sorah Modi, que  asistió a la escuela francesa durante casi dos años y escuchó mucha música occidental, tanto folklórica  como clásica.

Se nos recuerda, que, Pandit Tavi Shankar emerge en la escena musical internacional como gran instrumentista en los años cincuenta. Se indica además, que por una extraña coincidencia, un joven músico a quien había conocido durante su estadía en Paris, entró nuevamente en su vida, se trata de Sir Yehudi Menuhin, desde hace casi cuarenta años uno de los amigos y colegas más íntimos del maestro. Se dice, que su segundo encuentro tuvo lugar con ocasión de una serie de conciertos de Menujin en la India. Durante una noche libre de compromisos, ambos fueron invitados a una velada musical en casa de Narayana Menon, importante musicólogo y representante artístico. El amor de Menuhin por la India, su música y sus músicos, sus artes y su filosofía lo han convertido en portavoz de este país en todo el mundo.

Wikipedia nos aporta además, que Ravi Shankar dejó una posible carrera de baile y comenzando en 1938 pasó largos años de estudio bajo su gurú Khan Allaudin. Su primera presentación en público en la India fue en 1939. El entrenamiento formal acabó en 1944 y trabajó en las afueras de Bombay. Comenzó a escribir canciones para películas y ballet clásico y comenzó una carrera de grabación con el afiliado indio HMV. Se hizo director de música de All India Radio en los años 1950.

Shankar entonces se hizo conocido fuera de la India, primero presentándose en la Unión Soviética en 1954 y luego en el Oeste en 1956. Se presentó en acontecimientos principales como en Edinburgo Festival así como lugares principales como el Royal Festival Hal

También se comenta, que Shankar ha escrito dos conciertos para sitar y orquesta, composiciones de sitar-violín para Yehudi Menuhin y él, la música para el virtuoso de flauta Jean Pierre Rampal, y la música para Hozan Yamamoto, maestro del shakuhachi (la flauta japonesa), y el virtuoso del koto Musumi Miyashita. Ha compuesto extensivamente para películas y ballets clásicos en India, Canadá, Europa y los Estados Unidos, incluyendo Chappaqua, Charly, Gandhi, y Apu Tryology. Su grabación Tana Mana, lanzada por el sello Private Music en 1987, penetró el género New Age con su combinación única de instrumentos tradicionales con la electrónica. El compositor clásico Philip Glass reconoce a Shankar como una influencia principal y los dos colaboraron para producir Passages, una grabación de composiciones en las cuales cada uno adapta temas compuestos por el otro. Shankar también compuso la parte de sitar en la composición de Glass de 2004, Orión

Se señala además,  que  en el ámbito de la recuperación de tradiciones. Ravi Shankar, colaboró con su  Jatwalla (compatriota) Zubin Mehta, hace algunos pocos años, con ocasión a la ejecución de Ragamada (Guinarla de raga), concierto No. 2 para sitar y orquesta, con la orquesta Filarmónica de Nueva Cork. Para Metha actuar con uno de los grandes de la música hindú fue realmente emocionante.  La emoción de Shankar no fue menor Soñaba tocar con el maestro de Bombay, ciudad natal de Metha y su sueño se convirtió en realidad el 23 de abril de 1961.

En definitiva, cabe destacar como lo cita elartedevivir.org, Sri Ravi Shankar, es un reconocido líder humanitario y espiritual. Su visión de una sociedad libre de violencia y estrés ha inspirado a millones a expandir su responsabilidad para construir un mundo mejor.

 Sri Ravi Shankar es un multifacético activista social cuyas principales actividades son promover la paz y restaurar los valores del individuo.

 En lo personal, he tenido la oportunidad de asistir años atrás a  dos conciertos que realizó en Santiago de Chile, en donde, una gran amigo y brillante músico chileno,  Millapol Gajardo quien estudió tablas en la Indias, lo acompañó. Fue muy impresionante escuchar, sus interpretaciones majestuosamente interpretadas

Schubert

Carlos Mora Vanegas

La música es la taquigrafía de la emoción. León Tolstoi

La naturaleza y el arte parecen huir el uno del otro, pero se encuentran antes de darse cuenta Goethe

La vida de este extraordinario músico, que desafortunadamente muere joven es sumamente interesante por lo que ella encierra, dado a que se manifiestan hechos, sucesos que tuvieron mucha relevancia en su desempeño como un genio de la música.

Shubert se dice tuvo grandes pasiones tormentosas, un genio atormentado.

 Estuvo plenamente identificado con la naturaleza y el campo austriaco  de donde surgen muchas de sus grandes obras. No obstante como Audioclásica en un escrito sobre  él, señala que enfermedad, amoríos condenados al fracaso y falta de reconocimiento público. La corta vida de Schubert estuvo muy lejos de la gloria.

En esta oportunidad nos concretamos en algunas notas relevantes mientras paso por esta dimensión, a fin de quienes están compenetrados con su música tengan presente algunos aspectos significativos de su vida.

 Sobre él hay cuatro opiniones muy interesantes,  como la de Franz Liszt quien dijo:

Su fuerza vital parecía fluir de su pluma con plenitud. Para él, el tiempo valía el doble: los años se comprimían en meses, y aunque el arte le perdió de forma prematura, pudo experimentar la madurez de su genio.

Gerald Moore por su parte  señaló:

En el crepúsculo de mi vida, vuelvo cada vez con más frecuencia al maestro del que Artur Schanabel dijo que es el compositor más cercano a Dios. Nadie se ha expresado con tanta naturalidad: las canciones de Schubert son tan espontáneas que no se pierde frescura ni fragancia en la transición del espíritu al manuscrito y nos parecen un milagro.

Por su parte el extraordinario filósofo Frederic Nietzsche comentó:

 En sus obras encontramos una inmensa riqueza sin explotar; otros encuentran su grandeza en la explotación. Si se puede llamar a Beethoven el oyente ideal de un músico a Schubert se le puede llamar con todo el derecho el músico ideal.

 Por último, Robert Schuman dijo: El tiempo, que se lleva tantas bellezas tardará mucho tiempo en traernos otro Schubert.

Algunas notas que ameritan considerarse:

• Uno de los principales músicos austriacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a fines del siglo XVIII y principios del XIX: Viena
• Su talento creció a la sombra de Beethoven, a quien admiraba; murió un año después de él . No fue reconocido en vida: después de su muerte su arte comenzó a conquistar admiradores
• Su profesor de música se percató pronto de su talento y llegó a decirle: «No tengo nada más que enseñarle, el conocimiento lo ha recibido del buen Dios».
• Como se sabe Schubert contrajo sífilis, y a finales de la primavera de 1823 se hallaba en un estado lamentable. Trasladado al Hospital General de Viena, tuvo la oportunidad de ver a su alrededor a otras personas en estado ya avanzado de su misma enfermedad, convertidos es despojos humanos. Escribió más poesía, no demasiado buena, pero sí dolorosa. Destruid mi vida y todo lo que soy, arrojadme a las profundidades de Lethe.
• Shubert tuvo mas éxito interpretando sus obras para piano ante sus amigos que en las salas de concierto.
• Escribió mas de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su muerte, quedaron inéditos
• A los diecinueve años había escrito ya más de doscientos cincuenta lieder. Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre ambos y el abandono de la casa paterna
• Nunca logró mantenerse sólo con sus composiciones y necesitó de la generosidad de amigos, que lo acogían en sus respectivas casas. Schubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte.
• Schubert no consiguió estrenar ni publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres schubertiadas
• Las "Schubertiadas",veladas patrocinadas por sus amigos y durante las que se escuchaba únicamente su música eran muy conocidas. Schubert se sentaba frente al piano y se ejecutaban canciones, música de cámara, obras para piano (solista y a cuatro manos). Este mismo círculo de amigos consiguió publicar el primer grupo de sus canciones. Como no había editores dispuestos a imprimir la música, sus admiradores se unieron y recolectaron el dinero necesario para la edición
• En Viena Schubert llevó una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta nobiliaria
• Durante sus últimos años escribió piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y siempre con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica
• Schubert mantuvo relaciones a lo largo de toda su vida con el grupo de la clase media intelectual que amaba la música y el arte; rara vez se vinculaba con la aristocracia, se sentía cómodo únicamente con la burguesía y la bohemia artística de Viena. Cuando se retiró definitivamente de la enseñanza, en el año 1818, se incorporó al círculo de los bohemios, y para ellos compuso su música. Era un círculo formado por músicos, artistas y figuras literarias, y muchos de ellos fueron sus amigos íntimos
• El nunca fue capaz de asegurarse un empleo permanente y la mayor parte de su carrera fue sostenida por sus familiares y amigos. Sin embargo, el interés en sus trabajos se incrementó dramáticamente luego de la muerte de éste en 1828.
• La enfermedad final tal vez halla sido fiebre tifoidea, si bien otras causas habían sido propuestas; algunos de sus síntomas finales cuadran con los de envenenamiento por mercurio (el mercurio era un tratamiento muy común contra la sífilis, a comienzos del siglo XIX). A pesar de ello, no había evidencia suficiente como para hacer un diagnóstico definitivo. Su consolación durante su enfermedad terminal era la lectura, y se convirtió en un fan apasionado de los escritos de James Fenimore Cooper. Schubert murió a lo 31 años, el 19 de Noviembre de 1828 en el apartamento de su hermano Ferdinand en Viena.
• Schubert compuso en todos los medios excepto uno, nunca compuso un concierto.
• Nunca se casó pero su vida no estuvo exenta de sobresaltos de faldas, ya que era enamoradizo a morir.
• La amistad del músico con varios poetas le llevó a musicalizar varias obras líricas, entre ellas algunas célebres como el Ave María, Amor de Mujer y la Serenata. Esto le convirtió en el indiscutible padre del lieder(canción clásica) y sus ciclos de lieders son el tesoro de cualquier cantante de repertorio clásico
• A menudo pagaba sus comidas con canciones originales. Un buen día en que Schubert había ganado un poquito más de plata se encontró a una damisela de la noche llamada Ute La Goulue(La Golosa). Schubert se enamoró de ella, le compuso varias canciones, y comenzó a trabajar en la famosa sinfonía que sería la Inconclusa. Apenas el dinerito se acabó, Ute le lanzó la puerta en la cara al compositor y lo abandonó.Se había acabado la inspiración para Schubert con este fracaso amoroso, y solo había escrito los dos exquisitos movimientos con sabor a divinidad que conocemos de la famosa sinfonía.
• En 1827, al morir Beethoven Schubert fue uno de los que cargó el féretro del genio en su funeral, y tras dejarle sepultado, Schubert y sus amigos habían ido a una taberna a beber en honor del recién finado. Schubert, quien adoró ciegamente a Beethoven toda su vida, expresó a sus amigos el deseo de ser sepultado junto a su ídolo cuando la muerte se lo llevara y esos se cumplió

Galina Ivánovna

Carlos Mora Vanegas

Todos aquellos que realmente amen mi música deberán abstenerse de someterla a análisis teórico Galina Ivánovna

Entre los grandes músicos que nos ha legado Rusia hay mujeres muy valiosas cuyas obras no pueden pasar por desapercibidas, tal es el caso de Galina Ivánovna Ustvólskaya un gran compositora de música clásica, nacida  en Petrogrado, 17 de junio de 1919 y muerta en  San Petersburgo, 22 de diciembre de 2006.

Afortunadamente hay enciclopedias que nos aportan datos interesantes como  Wikipedia, que nos dice al respecto, que desarrolló un estilo propio muy personal, del que dijo: "No hay el menor vínculo entre mi música y la de cualquier otro compositor, vivo o muerto". Entre las características de su estilo están: el uso de repetidos bloques de sonidos homofónicos, lo cual indujo al crítico danés Elmer Schönberger a apodarla "la dama con el martillo"; inusuales combinaciones de instrumentos (por ejemplo ocho contrabajos, piano y percusión para la Composición N°2); uso considerable de dinámicas extremas (como en su Sonata para piano N°6); empleo de grupos de instrumentos con el propósito de introducir clusters, y el uso de piano o percusión para desarmar rítmos inmutables regulares (todos los trabajos atribuidos a ella usan piano o percusión, y muchos ambos).

Su música no fue "vanguardista" en el sentido comúnmente aceptado de la palabra, y por esta razón no fue abiertamente censurada en la Unión Soviética. Sin embargo, fue acusada de no querer comunicarse y de "estrechez" y "obstinación". Es sólo en los últimos tiempos que sus críticos han comenzados a entender que estas supuestas deficiencias eran en realidad las cualidades distinguibles de su música. El compositor Boris Tishchenko ha comparado oportunamente la "estrechez" de su estilo, con la luz concentrada de un rayo láser capaz de perforar metal.

 Se sabe estudió desde 1937 hasta 1947 en la universidad asociada al Conservatorio de San Petersburgo. Seguidamente se hizo estudiante de postgrado y pasó a enseñar composición en la universidad. Su profesor de composición, Dimitri Shostakóvich, que rara vez felicitaba a sus estudiantes, dijo de ella: "Estoy convencido de que la música de Galina Ustvólskaya conseguirá renombre mundial, y será valorada por todos aquellos que perciben que la verdad en la música tiene importancia de primer orden

 Nos recuerda además Wikipedia, que fue pupila de Shostakóvich entre 1939 y 1947, pero sin embargo retuvo muy poca influencia de su estilo a partir de los años cincuentas. Como modernista que era realizó pocas presentaciones públicas; hasta 1968 ninguna de sus obras, aparte de las piezas patrióticas escritas para uso oficial, había sido interpretada. Hasta la caída de la unión soviética, sólo la sonata para violín de 1952 ha sido tocada con cierta frecuencia, pero desde entonces su música se ha visto programada con cada vez mayor regularidad en repertorios de occidente

Galina Ustvolskaya es una compositora de la era soviética, que encarna la difícil búsqueda de una voz propia bajo un régimen extremadamente autoritario, en un país que nunca a gozado de libertades individuales, y en el que el arte y la música son concebidos-- por el aparato estalinista--, como parte de los instrumentos de la propaganda y la guerra. La Ustvolskaya permaneció marginada, casi toda su vida, por su empecinada originalidad y su rebelión abierta contra el aparato de control del Partido Comunista de la URSS. Mientras vivió, su trabajo fue incomprendido en su tierra y desconocido en occidente. Hoy que su música se difunde con creciente amplitud, al ser vinculada con la de otros compositores rebeldes como Valentin Silvestrov, Sophia Gubaidulina, Arvo Part y Peteris Vasks; se comete una nueva injusticia al definirla mediante dos reducciones machistas: se le presenta como "alumna" y "amante" de Schostakovich, sin poner en el centro que su música es muy distinta, que es prácticamente inclasificable, y que constituye una obra autónoma, que debe conocerse y juzgarse en sus propios méritos

Galina Ivánovna  decía sobre su música: Mis obras no son, es verdad, religiosas en un sentido litúrgico, pero están imbuidas de un espíritu religioso, y a como yo lo veo son más aptas para ser interpretadas en una iglesia, sin introducciones de expertos ni análisis. En la sala de conciertos, eso es, en los alrededores "seculares", la música suena diferente

Sus trabajos de los años cuarenta y cincuenta suenan a veces como si hubieran sido compuestos hoy. Su idealismo específico era mantenido por una determinación casi fanática, esto debe interpretarse no sólo como un rasgo típicamente ruso, sino además, -en palabras de Dostoievsky- como un rasgo "San Peterburgués". Shostakovich escribió a Ustvólskaya: "No eres tú quien es influenciada por mí; más bien, soy yo quien soy influenciado por ti".

 Nos agrega elrestoesruido.blogspot.com, que fue alumna y amante de Dimitri Schostakovich. Estudio con el de 1937 a 1947, y siguieron juntos hasta 1957.La historia amorosa es un capitulo casi desconocido y los testimonios escasos. Schostakovich la defendió cuando el aparato intento aislarla por sus experimentos juveniles en composición. Galina vivió con el, a su lado, el apogeo como sinfonista numero uno de la URSS y su posterior aislamiento y persecución. Durante todos esos años ella hizo su propia música, distinta a la del Schostakovich exitoso y también a la del músico acosado que se refugia en la música de cámara. Su vida y su trayectoria musical no escapan a la contradictoriedad y, como cualquier músico soviético hubo de trabajar en composiciones patrióticas, en obras de propaganda y de la pedagogía nefasta del partido. En su madurez desconoció todas esas composiciones y, luego de una dolorosa separación y ruptura amorosa con Schostakovich, lo repudio y pretendió borrar su pasado común

Fueron, los dos, el pivote de una resistencia heroica que puso el ejemplo a los Rostropovich de como defender la libertad artística. Sin Schostakovich y Galina Ustvolskaya los creadores soviéticos no habrían tenido referente moral para actuar con valentía y ejercer la libertad a toda costa. Galina opto por la espiritualidad, por el misticismo, pero siguió haciendo música moderna, radicalmente original, violenta en mas de un sentido. Hoy, a 18 años de la disolución de la URSS, Galina Ustvolskaya no deja de ser un poderosos imán, una voz singular, que se inscribe en ese vasto fenómeno que fue el regreso al misticismo de los músicos que intentaron hacer dodecafonía y fueron perseguidos y silenciados

 En definitiva se comenta, que todas las obras de Ustvólskaya son de gran envergadura, en la intención, sin importar cuánto duren o cuántos músicos se vean involucrados. Su música está basada grandemente en conceptos de tensión y densidad. Tiene muchas obras y existe un catalogo Sikorsky de la obras de Galina que enlista 21 composiciones. Una vida de creación, entre ellas se pueden señalar: Poema sinfónico n.º 1, Lights of the Steppes, para orquesta.; Poema sinfónico n.º 2, The Exploit of the Hero. Composicion No. 1, Dona Nobis Pacem, para piccolo, tuba y piano. Composición No. 2, Dies Irae, para 8 doble-bases, Tuba y  piano". Composicion No. 3, Benedictus, Qui venit, para 4 flautas, 4 fagots y piano; sonatas 1,2, 3, 4,5 y 6 y otras obras más.

Nikolái Yákovlevich Miaskovski

Carlos Mora V

 El arte de la música es el que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos. Oscar Wilde

Desde luego no se puede negar la proliferación de grande músicos, compositores dentro de lo clásico que Rusia nos ha legado, unos más conocidos que otros, más escuchados, sin embargo, sus aportaciones en pro de la música clásica es muy determinante, especialmente para quienes se identifican con este género.

 Nikolái Yákovlevich Miaskovski quien nació el  20 de abril de 1881 y murió en  Moscú, 8 de agosto de 1950, fue un compositor que vivió durante el período soviético. Compositor prolífico, 26 sinfonías en su producción. También compuso numerosas canciones trece cuartetos para cuerdas, dos conciertos para violonchelo y violín, y música para el piano

Se nos recuerda, que  nació en una fortaleza rusa en suelo polaco, Miaskovski se trasladó de niño con su familia a Kazán, donde quedó huérfano de madre a los nueve años de edad. Dos años después comenzó una estricta formación militar que se prolongaría durante década y media. Es durante esta época cuando comienza a componer, realizando entre 1896 y 1900 una serie de conjuntos de Preludios para piano. Dos años después comienza a estudiar con Reinhold Glière aprovechando un traslado a Moscú en un destacamento militar. Pronto se distancia de la vida militar, acabando por renunciar en 1906 a la Armada en favor del Conservatorio de San Petersburgo

Sobre él nos aporta Wikipedia, que  no hay que olvidar que el Conservatorio se hallaba en reconstitución después del turbulento curso 1904/05, durante el cual Nikolái Rimski-Kórsakov fue despedido por su condena de la masacre del Domingo sangriento y el resto del profesorado dimitió en muestra de solidaridad. No obstante, Miaskovski acudió a las clases de Anatoli Liadov y el propio Rimski-Kórsakov. En la clase de Contrapunto de aquel conocería a Sergéi Prokófiev, del cual sería amigo durante el resto de su vida. A Miaskovski le era más afín la escolástica del Conservatorio que a su joven compañero, echando raíces pronto en la tradición musical rusa, que desde el comienzo vio desde una perspectiva muy personal, como demuestra la Sinfonía n.º1 (1908).

Miakovski comenzó a gozar de proyección en las salas de conciertos mientras trabajaba en esta primera incursión sinfónica con el estreno de sus 18 Romanzas sobre textos de Sinaida Gippius op. 4 en el marco de las Tardes de nueva música de San Petersburgo, en las que se estrenaron algunas de las tentativas compositivas más audaces de los jóvenes Prokófiev y Stravinski

Se sabe, que compuesta  en el tercer año en el Conservatorio de de San Petersburgo, cuando contaba 27 años. Su Primera sinfonía es una pieza que pertenece al tardorromanticismo soviético que incluye un movimiento lento efectivo al estilo de Rachmaninov.

Se nos agrega, que en 1921 Miaskovski fue contratado por el Conservatorio de Moscú como catedrático de composición, puesto en el que se convirtió en una de las personalidades referenciales de la música soviética en tanto que estabilizador de la tumultuosa vida musical soviética del estalinismo, ganándose el mote de la conciencia musical moscovita gracias a su apoyo desinteresado a compositores y sociedades musicales (así, apoyó a la Asociación de Música Contemporánea hasta su abolición con todos los medios a su alcance aun cuando nunca suscribió la estética que promovía). Asimismo durante los años treinta trabajó sobre el Realismo socialista impuesto desde las altas esferas con vistas de encontrar un punto de equilibrio sostenible para el compositor que viéndose forzado a practicar esta estética no quisiera renunciar a su personalidad compositiva.

El estallido de la II Guerra Mundial, que no dejó de reflejarse en su obra (Miaskovski fue el compositor de la primera Sinfonía de guerra soviética, la vigésimo primera de su catálogo), forzó su evacuación al Cáucaso en compañía de su amigo Prokofiev. Durante esta época, en la que Miaskovski aprovechó para investigar el folclore de las regiones vecinas, comenzó el declive de la salud de Miaskovski.

De vuelta en Moscú Miaskovski fue recibido con grandes honores en un principio, pero en 1948 hubo de afrontar su implicación en las condenas del Congreso de Compositores antiformalista, en sustitución a última hora de su alumno Dimitri Kabalevski, que por otra parte le homenajearía en su muerte transcribiendo para piano a cuatro manos su monumental Sinfonía n.º6. Miaskovski mantuvo su dignidad artística y se negó a someterse al juicio, desvinculándose totalmente en lo sucesivo del realismo socialista y componiendo sus últimas obras en una estética muy íntima, que se expone en plenitud en la última de sus 27 Sinfonías (1949).